Alvas, quase-almas, como alvas
Sonia Salcedo del Castillo
2004
Sentir-se entre o olho e o espírito, diria eu, diante dos trabalhos ora apresentados por Bel Barcellos. Sim, porque parecem precipitar um diálogo entre opostos de nossa percepção, indicando-nos da materialidade à imaterialidade que possuímos. Porque nos dão a impressão de querer relacionar um quê de real e outro de ideal que nos habita, levando-nos a refletir sobre o que vemos ou imaginamos, quiçá sonhamos, enfim… Penso ver aqui um hífen entre corpo e alma.
Essa atmosfera espiritual envolvendo o conjunto exposto pode-se intuir desde o nome atribuído à mostra, “De tão alvas, quase almas” – passando pelos títulos e números de suas séries, assim como pela feição de seus trabalhos –, até a retórica que nele se desenvolve, mas não só. A própria concepção de sua montagem, remete à relação imanência/transcendência, lançando a nossos sentidos a clara e correlata dicotomia: razão e emoção.
Num módulo observamos seis séries de pequenos desenhos sobre papel[1] – antes vigorosos traços sobre vegetal, que, graças à técnica do decalque, repousam, esmaecidos e leves, nos tons do marfim ao cinza, sobre o papel do tipo canson, fabriano… –, então, racionalmente contidos em caixas emolduradas, série por série, montados à maneira linear, em ordem cartesiana sobre o plano expositivo. Enquanto em outro, seguindo racionalidade oposta, experimentamos a série de amplos desenhos sobre tecido[2] – incluindo linhas bordadas em fios de nuances coloridas, sutis como água ou pulsantes como sangue, além da gama do negro ao cinza, peculiar aos traçados a grafite, que resultam delicadamente aquosos sobre lençóis brancos –, assim, dramaticamente lançados como elemento cênico na galeria, quais alvas ou almas de linho[3], como se o espaço expositivo, de fato, teatral, fosse.
Do desenho à transparência fluida, são séries alvas semelhantes a almas, mas também a alvas[4] ou finalidades centrais. Trata-se, aqui, de uma produção, mediante a qual Bel Barcellos mostra o resultado de pesquisas – diga-se, levadas à exaustão –, realizadas após seis longos anos, acerca do desenho e da figura sobre papel e pano. Acredito eu, também e concomitantemente, acerca de si.
Numa delas, uma investigação formal questiona o desenho enquanto modelo representativo. Mediante linha e grafite sobre tecido, aguado por solvente, bem como o transfer a grafite sobre papel, preparado com bastão óleo – técnicas simples somadas ao traçado, também bordado e naturalmente sensível da artista –, Bel nos faz transitar entre experimentações perceptivas ora lineares, ora pictóricas. E, num lapso de tempo, apreender como resultado perceptivo figuras leves, por vezes quase em movimento, fluidas, transparentes, mas sobriamente luminosas ou inquietantemente claras.
Essa verve transcendente que nos toma em relação aos trabalhos aqui expostos advém, em especial, da outra pesquisa proposta pela artista: uma investigação conceitual a respeito da figura enquanto modelo retórico. Após trabalhar e retrabalhar a figura de maneiras distintas em sua produção artística – fosse sob a forma da abstração, fosse à maneira de personagens ou figurinos, fosse, ainda, singela como puro traço ou exuberante como sofisticação cromática de muitas cerdas –, Bel parece querer insinuar histórias mediante suas silhuetas, incorporando, agora, uma literalidade quase retórica em seu trabalho, como provável legado cênico de uma artista também cenógrafa.
Se, aqui, a figura traçada é feminina, então, a artista desdobra sua investigação em direção ao universo espiritual feminino, constituindo, assim, um discurso por meio dessas séries de desenhos, como diz ela, para “falar da mulher no curso dos séculos”. Não é sem motivo, portanto, que na maioria das séries as indumentárias usadas não possuem uma linha capaz de relacioná-las a cronologia, perfil ou âmbito exatos. Flertando, entretanto, com possíveis nexos históricos ‘estabelecíveis’, digamos, brincam de tempo, tipos e personagens na esfera do assunto representado.
Assim, ao observarmos suas figuras, tanto podemos identificar bruxas quanto freiras, devassas ou castas, voluptuosas ou voluntariosas, libertinas ou libertárias, submissas ou guerreiras, selvagens ou refinadas, santas ou diabas. Mas o que a artista parece querer nos apresentar – e nisso, percebam, reside sua terceira e fundamental pesquisa, ou investigação existencial – é a feminilidade em seus ciclos, assim como a Lua em seus mistérios quase mediúnicos, ora oculta, ora insinuante, ora exuberante, ora tímida; ora toda, ora parte, ora metade, ora nenhuma. E sendo, pois, telúrica ou celestial, girando entre a Terra e o Sol, quer descobrir-se ou reconhecer-se nessa órbita como elipse de fertilidade e luz.
São mulheres em síntese, em transe, em espírito, em crise, em metamorfose. Insones ou desnudas, insinuando o lado vermelho – não de Marte, mas de Vênus. Deusas sedutoras como serpentes ou demônios, implicando pecados e sacrifícios – “quem limpará o sangue de nossas mãos?”, indaga a artista. Imaculadas como pombas ou lírios, suscitando abnegação e submissão frente ao divino – Salve Maria, Nossa Rainha!… São, pois, inspiradoras como lágrimas, libélulas, rosas ou corações encarnados…Melhor, Musas[5] como estrelas, porém, não somente Vésper, antecedendo a noite, mas antes de tudo, à maneira d’Alva. Sim, Estrela d’Alva branquejando o horizonte, precedendo o dia… Alva: alvor primeiro, nitidez do princípio, divino motu continuum – manifestando a vida –, quase-alma, como alva, qual X num mapa alvicelestial[6]… em si: meio e fim!
Notas
[1] “Alvas almas” (sete desenhos evocando religiosidade e espiritualidade); “Corpo estranho” (sete desenhos remetendo a transes mediúnicos); “Encarnadas” (seis desenhos acerca de sacrifícios ou rituais); “Trabalho de mulher, brinquedo de criança” (10 desenhos relacionando a espiritualidade existente entre a curiosidade pueril e a índole feminina); “Elas vêm trazer encanto ao mundo (cinco nus em uma moldura); e, por fim,“Desassossego” (sete desenhos sobre a angústia do estado insone).
Observe-se nesta última série o contrapondo estabelecido entre a imanência do corpo e a transcendência do espírito. O corpo, como chumbo, não liberta a leveza do espírito. Ressalte-se, ainda, o fato de nessa série a indumentária não ser alva, mas sombria.
[2] Cujo título dá nome a exposição: “De tão alvas quase almas” (nove desenhos sobre lençóis brancos que, explorando ícones de fé ou religiosidade, somados a efeitos plásticos de movimentos, remetem ao par corpo/espírito).
[3] O jogo de palavras justifica-se pelo fato de alva também significar veste talar ou túnica até os pés de tecido branco usada por condenados, rumo ao sacrifício, ou por sacerdotes para celebrações e ofício litúrgico e, assim, assemelhar-se à imagem do arquétipo criado para fantasmas, espíritos e, portanto, almas.
[4] Parte branca do alvo.
[5] Feliz analogia, visto que a série de desenhos sobre tecido possui nove lençóis, assim como musa ou cada uma das nove filhas de Zeus e Mnemósine, que presidia as artes e as ciências que também totalizavam nove.
[6] Menção à performance Alviceleste, de Márcia X, realizada nas Cavalariças da EAVPL (2004/ RJ) em razão do forte diálogo que se estabelece com esses trabalhos de Bel Barcellos.
Whiteness, quasi-souls, lightness
Sonia Salcedo del Castillo
2004
When looking at the work now exhibited by Bel Barcellos, I would say that it is like feeling between the gaze and the spirit. Because it seems to hasten the dialogue between opposite points of our perception, ranging from our materiality to immateriality. Because it gives us the impression of wanting to relate something real to an ideal something else alive in us, causing us to reflect on what we see or imagine, or maybe even dream, in short… I think I see here a link between body and soul.
We can feel this spiritual atmosphere embracing all her work ranging from the name given to the exhibition, “Whiteness, quasi-souls” – moving through the titles and numbers of the series, and the manner of her work – to the rhetoric developed therein, but not just that. The very concept of her exhibition design leads us to an immanence/transcendence relationship, sending a clear and correlated dichotomy to our senses: reason and emotion.
In one module we see six series of small drawings on papes[1] – originally vigorous lines on vegetal paper and, thanks to the transfer technique, they rest, faded and light, on tones ranging from ivory to gray, on Canson, Fabriano paper… –, and then rationally contained in framed boxes, series after series, set linearly in Cartesian order on the exhibition plane. In another module, in contrasting logic, we see a series of large drawings on fabric[2] – including embroidered lines in threads with nuances of color, subtle like water or pulsating like blood, alongside the black and gray tones peculiar to sketching with pencil and oil bar, resulting in delicate watery touches on white sheets –, thus, dramatically set like a backdrop in the gallery – linen tunic or souls[3], as if the exhibition space was, in fact, a stage.
From drawing to fluid transparency the series are white like souls, but also targets[4] or primary goals. Here we have a production in which Bel Barcellos shows the results of her extremely thorough research over six long years on drawing the figure on paper and cloth. And at the same time about herself, I might even say.
In one of them, a formal investigation raises the question of drawing as a representative model. By using thread and pencil on fabric, moistened by solvent, and the pencil transfer to the paper painted and spread with oil bar – simple techniques added to the artist’s also embroidered and naturally sensitive lines–, Bel takes us on a trip through sometimes linear and at other times pictorial perspective experiences. And, in a moment, we see the result in weightless figures, sometimes almost in motion, fluid, transparent, but darkly luminous or disturbingly clear.
This transcendent verve we feel in relation to her work on display here is transmitted especially from another study proposed by the artist: a conceptual investigation of the figure as a rhetorical model. After working and reworking the figure in different ways as she creates her art – in abstract form or in characters and costumes, or even unique like a pure line, or exuberant with multiple brushstrokes in chromatic sophistication –, Bel seemingly wants to insinuate stories into her silhouettes, now incorporating an almost rhetorical literary in her work, like a probable theatrical legacy of an artist who is also a set designer.
As the sketched figure here is female, then the artist furthers her investigation into the female spiritual universe, leading to a discourse trough these series of drawings in order, as she says, to “speak of women over the centuries”. There is a reason, therefore, why in most of the series the vestments cannot be attributed to a precise timeline, profile or sphere. Flirting, then, with possible ‘establishable’ historic links, say, they play with time, types and characters within the sphere of the exhibited subject.
So when we look at her figures, we may see witches or nuns alike, depraved or virtuous, voluptuous or wilful, libertines or libertarian, submissive or warriors, fierce or refined, saints or devils. But what the artist apparently would like to show us – and this is where lies, you see, her third and fundamental study, or existential investigation – are the cycles of femininity, like the moon in its almost mediumistic mysteries, sometimes veiled and at other times insinuating, or exuberant or timid; sometimes all of it, then part, half or none at all. And so being terrestrial or celestial, revolving between the Earth and the Sun, it strives to be discovered or acknowledge in this orbit as an eclipse of fertility and light.
They are women in synthesis, trance, spirit, crisis, or metamorphosis. Sleepless or naked, suggestions of scarlet – Venus rather than Mars. Seductive goddesses like serpents or demons, implying sin and sacrifice – “ who will clean the blood from our hands?” asks the artist. They are immaculate, like doves or lilies, suggesting selflessness and submission before the divine – Hail Mary, Our Queen!… They are then inspiring, like tears, dragonflies, roses or ruby-red hearts… Or even muses[5] like stars, not only the evening star, heralding the night, but even more like the morning star. Yes, the morning star blanching the horizon, daybreak… Alva: first dawn, clarity of principle, divine motu continuum – expression of life –, quasi-soul, lightness, like a great target, an X on an alvicelestial chart …[6] In itself: means and end!
Footnotes
[1] “White souls” (seven drawings evoking religiosity and spirituality); “Foreign body” (seven drawings referring to mediumistic trances); “Incarnate” (six drawings about sacrifices or rituals); “Women’s work, child’s play” (10 drawings relating to spirituality between childish curiosity and female nature); “They come to delight the world” (five nudes in frame); and lastly, “Unrest” (seven drawings on the distress of insomnia). In the last series there is a counterpoint between the immanence of the body and the transcendence of the spirit. The body, like lead, does not liberate the lightness of the spirit. And in fact, it underscores that in this series the vestments are not white but somber.
[2] Its title gives the name to the exhibition: “Whiteness, quasi-souls” (nine drawings on white linen sheets that, exploring icons of faith or religiosity, plus the aesthetic effects of movements, refer to the body/spirit duo).
[3] The play of words is justifiable by the fact that ‘alva’ also means an ankle length shift or white fabric tunic worn by the condemned on their way to sacrifice, or by priests for liturgical offices and masses, and thus similar to the image of the archetype created for ghosts, spirits and, therefore, souls.
[4] The centre of a target.
[5] Fortunate analogy, since the series of drawings on cloth has nine sheets, as well as a muse or each of the nine daughters of Zeus and Mnemosyne, goddess of the arts and sciences, also nine in all.
[6] Reference to the Alviceleste performance by Marcia X at the Parque Lage stables (Rio de janeiro, 2004), as a result of the strong dialogue from this work by Bel Barcellos.